Tag Archief van: film

Film / Films

Onderschat en ondergewaardeerd

recensie: The Amateur - James Hawes
Rami Malek in The Amateur© The Walt Disney Company

Een teruggetrokken maar briljante code-expert bij de CIA verliest zijn vrouw bij een terroristische aanslag in Londen. Al snel heeft hij achterhaald wie er achter de aanslag zit, maar als zijn leidinggevenden weigeren actie te ondernemen, besluit hij het heft in eigen handen te nemen en op zoek te gaan naar de daders.

Na het succes van One Life (2023) waagt regisseur James Hawes zich aan zijn tweede bioscoopfilm: een remake van The Amateur uit 1981, gebaseerd op de spionagethriller van John Littell. In deze nieuwe versie zijn alleen de grote lijnen van het boek overgebleven. Hawes had in eerste instantie Hugh Jackman (Wolverine) voor ogen als hoofdrol, maar heeft uiteindelijk gekozen voor Rami Malek.

Rami Malek is een perfecte Charlie

De Amerikaans-Egyptische Rami Malek (ook bekend van Bohemian Rapsody en No Time to Die) is de perfecte acteur om hoofdpersoon Charlie Heller te vertolken. De teruggetrokken, sociaal onhandige Charlie is hem op het lijf geschreven. Op geen enkel moment laat hij zich verleiden om zich te ontpoppen tot een actieheld, maar blijft hij op zijn eigen intelligente manier de strijd aangaan.

Rami Malek vond dat een groep mensen niet vertegenwoordigd werd in actiefilms, te weten de antiheld. In vergelijkbare spionage actiethrillers zoals The Bourne Identity (2002) en Mission Impossible (1996) ontpopt de hoofdpersoon zich tot een klassieke held die door één-op-één gevechten en bizarre stunts zegeviert. Rami Malek wil laten zien dat een gewone, over het hoofd geziene man, iets kan doen dat niemand zich kon voorstellen dat hij kon doen.

Het idee dat een alledaagse man evengoed voor gerechtigheid kan strijden is leuk. Dat hij een doelwit pas kan raken op één meter afstand en een YouTube-tutorial nodig heeft om een Parijse voordeur te openen vormt geen probleem, want hij heeft de skills om op afstand het glas van een zwevend zwembad te breken en zijn achtervolgers in de war te brengen met valse videobeelden.

De vaart zit er lekker in

Met het tempo van The Amateur zit het wel goed. De thriller mag dan de diepgang van bijvoorbeeld Memento (2000, Christopher Nolan) missen, maar Hellers tocht naar gerechtigheid gaat snel genoeg van Virginia, naar Londen, naar Parijs, enzovoort, om nooit te vervelen. Dat er op zoveel verschillende locaties is gedraaid, maakt het beeldmateriaal heel rijk. Je reist als het ware mee met Charlie.

Laurence Fishburne en Rami Malek

© The Walt Disney Company

Door al deze locaties zal het maken van de film niet goedkoop zijn geweest. Ook mede door het gebruik van grote acteurs als Laurence Fishburne (The Matrix) en Michael Stuhlbarg (The Shape of Water). Die laatste had een grotere rol verdiend. Dat had de film, die nu een beetje aan de oppervlakte blijft, meer diepgang gegeven. In de laatste scène waarin Charlie Stulbargs personage Schiller confronteert, is het Stuhlbarg die de scène naar een hoger niveau tilt en Malek die een acteerles krijgt.

The Amateur een ‘must see’?

The Amateur is een lange film met zijn 2 uur en 20 minuten, maar hij verveelt geen minuut. Er zit overal genoeg actie of achtergrond in dat het blijft boeien. Wat wel een beetje jammer is, is het einde, daar hebben ze zich iets te makkelijk vanaf gemaakt. Het is wel erg ‘Disney’: ‘Ze leefden nog lang en gelukkig’. Of is het een opmaat naar een sequel?

Vanaf donderdag 10 april 2025 in de bioscoop.

Film / Films

Onderschat en ondergewaardeerd

recensie: The Amateur - James Hawes
Rami Malek in The Amateur© The Walt Disney Company

Een teruggetrokken maar briljante code-expert bij de CIA verliest zijn vrouw bij een terroristische aanslag in Londen. Al snel heeft hij achterhaald wie er achter de aanslag zit, maar als zijn leidinggevenden weigeren actie te ondernemen, besluit hij het heft in eigen handen te nemen en op zoek te gaan naar de daders.

Na het succes van One Life (2023) waagt regisseur James Hawes zich aan zijn tweede bioscoopfilm: een remake van The Amateur uit 1981, gebaseerd op de spionagethriller van John Littell. In deze nieuwe versie zijn alleen de grote lijnen van het boek overgebleven. Hawes had in eerste instantie Hugh Jackman (Wolverine) voor ogen als hoofdrol, maar heeft uiteindelijk gekozen voor Rami Malek.

Rami Malek is een perfecte Charlie

De Amerikaans-Egyptische Rami Malek (ook bekend van Bohemian Rapsody en No Time to Die) is de perfecte acteur om hoofdpersoon Charlie Heller te vertolken. De teruggetrokken, sociaal onhandige Charlie is hem op het lijf geschreven. Op geen enkel moment laat hij zich verleiden om zich te ontpoppen tot een actieheld, maar blijft hij op zijn eigen intelligente manier de strijd aangaan.

Rami Malek vond dat een groep mensen niet vertegenwoordigd werd in actiefilms, te weten de antiheld. In vergelijkbare spionage actiethrillers zoals The Bourne Identity (2002) en Mission Impossible (1996) ontpopt de hoofdpersoon zich tot een klassieke held die door één-op-één gevechten en bizarre stunts zegeviert. Rami Malek wil laten zien dat een gewone, over het hoofd geziene man, iets kan doen dat niemand zich kon voorstellen dat hij kon doen.

Het idee dat een alledaagse man evengoed voor gerechtigheid kan strijden is leuk. Dat hij een doelwit pas kan raken op één meter afstand en een YouTube-tutorial nodig heeft om een Parijse voordeur te openen vormt geen probleem, want hij heeft de skills om op afstand het glas van een zwevend zwembad te breken en zijn achtervolgers in de war te brengen met valse videobeelden.

De vaart zit er lekker in

Met het tempo van The Amateur zit het wel goed. De thriller mag dan de diepgang van bijvoorbeeld Memento (2000, Christopher Nolan) missen, maar Hellers tocht naar gerechtigheid gaat snel genoeg van Virginia, naar Londen, naar Parijs, enzovoort, om nooit te vervelen. Dat er op zoveel verschillende locaties is gedraaid, maakt het beeldmateriaal heel rijk. Je reist als het ware mee met Charlie.

Laurence Fishburne en Rami Malek

© The Walt Disney Company

Door al deze locaties zal het maken van de film niet goedkoop zijn geweest. Ook mede door het gebruik van grote acteurs als Laurence Fishburne (The Matrix) en Michael Stuhlbarg (The Shape of Water). Die laatste had een grotere rol verdiend. Dat had de film, die nu een beetje aan de oppervlakte blijft, meer diepgang gegeven. In de laatste scène waarin Charlie Stulbargs personage Schiller confronteert, is het Stuhlbarg die de scène naar een hoger niveau tilt en Malek die een acteerles krijgt.

The Amateur een ‘must see’?

The Amateur is een lange film met zijn 2 uur en 20 minuten, maar hij verveelt geen minuut. Er zit overal genoeg actie of achtergrond in dat het blijft boeien. Wat wel een beetje jammer is, is het einde, daar hebben ze zich iets te makkelijk vanaf gemaakt. Het is wel erg ‘Disney’: ‘Ze leefden nog lang en gelukkig’. Of is het een opmaat naar een sequel?

Vanaf donderdag 10 april 2025 in de bioscoop.

Pamela Anderson in The Last Showgirl
Film / Films

Pamela Anderson is terug van weggeweest

recensie: The Last Showgirl - Gia Coppola (2024)
Pamela Anderson in The Last Showgirl

Wat blijft er over van een showgirl zonder show? In The Last Showgirl brengt regisseur Gia Coppola Baywatch-icoon Pamela Anderson tot leven als Shelly, een van de laatste showgirls van Las Vegas – een verrassende hoofdrol waarin Anderson een kwetsbare kant laat zien die we niet eerder zagen.

Shelly is een van de laatsten uit een verdwijnend tijdperk: een klassieke showgirl uit de tijd dat Las Vegas – althans volgens haar – nog draaide om glitter, glamour en échte showmanship. De film volgt haar, in de nasleep van het nieuws dat haar show zal stoppen, terwijl ze probeert afscheid te nemen van het leven dat haar heeft gevormd

Comeback

Pamela Anderson is zonder twijfel het kloppende hart van The Last Showgirl. Haar spel is kwetsbaar, charmant en verrassend gelaagd. Er zit iets Monroe-achtigs in haar verschijning: giechelig en elegant, met een ondertoon van melancholie dat doet denken aan de sterren uit de Golden Age of Hollywood. Opvallend is dat dit pas haar eerste écht serieuze hoofdrol is, die haar meteen een welverdiende Golden Globe-nominatie heeft opgeleverd.

Ze wordt bijgestaan door veteraan in het vakgebied Jamie Lee Curtis (Halloween, Everything Everywhere All At Once), die de afgelopen jaren met opvallende rollen liet zien dat haar carrière nog lang niet is afgeschreven. Ook hier brengt ze haar kenmerkende energie: luid, scherp en onvoorspelbaar. Haar extraverte aanwezigheid botst bewust met Andersons ingetogenheid en zorgt voor een spannend contrast, hoewel het met vlagen meer overschaduwt dan aanvult.

Stijl boven inhoud

Visueel heeft The Last Showgirl onmiskenbaar flair. De film werd in slechts 18 dagen op 16mm opgenomen. De korrelige beelden zijn levendig en brengen een rauwe, bijna documentair aanvoelende directheid met zich mee. Het handheld camerawerk brengt je dichter bij de personages, en de neonverlichting van Las Vegas zorgt voor een sterk visueel contrast met de melancholische toon van het verhaal.

Coppola creëert moeiteloos sfeer, al wekken de beelden soms verwachtingen op die het verhaal niet weet in te lossen. De esthetiek werkt als een glanzende laag over een film dat toch op losse schroeven staat. De thematiek is helder: vergankelijkheid, moeder-dochterrelaties, de worsteling tussen vasthouden en loslaten, maar blijft helaas grotendeels op de oppervlakte. Emotionele momenten missen opbouw en worden vluchtig aangestipt waardoor scènes die zouden moeten raken, hun gewicht verliezen.

Vooral de relatie tussen Shelly en haar dochter schreeuwt om meer diepgang. Hun confrontaties voelen onverdiend, simpelweg omdat we nauwelijks zien hoe ze naar elkaar toe groeien. De korte speelduur van 85 minuten helpt daar niet bij: er wordt te veel aangeraakt, maar te weinig uitgewerkt. Beelden van een dwalende Shelly in het neonlicht van Las Vegas proberen de gaten in het verhaal op te vullen, maar blijven te vaag om echt diepgang toe te voegen, waardoor ze vooral aanvoelen als opvulling in een film die al aan de korte kant is. Uiteindelijk zorgt Coppola’s intuïtieve en rauwe filmstijl, ondanks de fraaie beelden, voor een gevoel van versnippering: de film voelt als een reeks losse flarden die niet altijd samen een geheel vormen.

The Last Showgirl is een film die leeft van zijn sfeer. Anderson schittert in een rol die haar recht doet, en op zijn best raakt de film iets oprechts en teder. Maar hoe mooi de film er ook uitziet, en hoe goed Anderson ook speelt, de echte emotionele diepgang blijft grotendeels uit. De glitter en glamour is aanwezig, maar de rode draad blijft achter het gesloten gordijn, nadat de laatste showgirl het podium heeft verlaten.

Film / Films

Realiteit haalt kunst in

recensie: An Unfinished Film - Lou Ye
Mannen in gesprek© Filmdepot

Chinese regisseur Mao Xiaorui bekijkt in 2019 een oude computer en vindt daarop een nooit voltooide liefdesfilm. Hij besluit hem, tien jaar na dato, alsnog af te maken. Tijdens het draaien wordt de film opnieuw onderbroken door onverwachte gebeurtenissen en heeft het team enkel beperkt contact met de buitenwereld via beeldschermen.

An Unfinished Film is een semi fictionele dramafilm die terugblikt op de komst en verspreiding van het covid-virus in China. Het laat de maar al te bekende effecten zien op het leven van gewone mensen, inclusief degenen die betrokken zijn bij het maken van films.

Change of plans

Regisseur Lou Ye had zijn favoriete acteur Qin Hao in gedachten toen hij dit project bedacht. Qin Hao speelt in meerdere van zijn films en de regisseur vond dat zijn vertolkingen doorheen de jaren de veranderingen van het afgelopen decennium in China weerspiegelden. Lou Ye wilde dus al een film gebaseerd op en aangekleed met oude beelden maken, maar toen kwam de pandemie en kwam hij zelf vast te zitten in Japan. Uiteindelijk week de film af van het oorspronkelijke plan (de veranderingen in China in het laatste decennium) en focust nu meer op de mensen die films maken tijdens de pandemie.

Lou Ye gebruikt nog steeds oud materiaal van zijn andere films, waaronder Suzhou River (2000), Mystery (2012), Spring Fever (2009) en Shadow Play (2018). Daarnaast heeft hij documentaire beelden van tijdens de pandemie ingevoegd in wat hij na de pandemie heeft gedraaid in Duitsland, om de Chinese censuur te ontlopen.

Controverse en censuur

Lou Ye heeft vaker in zijn carrière te maken gehad met Chinese censuur. Zijn films zijn bewezen controversieel in inhoud, want ze gaan vaak over zaken als seksualiteit, gender en obsessie. De Chinese overheid heeft zijn eerste film Weekend Lover (1995) maar liefst twee jaar in de ban gedaan. Als eerste Chinese filmmaker waagde hij het om de gewelddadig neergeslagen demonstraties op het Plein van de Hemelse Vrede in Peking in 1989 op te nemen in een speelfilm (Summer Palace, 2006). ‘Ik ga hiervoor een boete betalen’, wist de regisseur toen al. Hij kreeg een filmverbod van vijf jaar. De Chinese censuur verbood de film om zogenaamd esthetische reden, maar het was duidelijk dat de expliciete seksscènes en de kritische blik van Ye op de studentenprotesten van 1989 niet gewaardeerd werden.

Naast Suzhou River (2000), die eveneens resulteerden in een ban, was er ook bij An Unfinished Film eerst een verbod voor screening, omdat China bang was dat de film iets anders over de pandemie zou vertellen dan de officiële Chinese lezing.

Is An Unfinished Filmfinished’?

Een makkelijk antwoord is hier niet op te geven. Letterlijk gezien, nee: het einde van de film is een screening van een film die niet is geworden wat de regisseur (gespeeld door Xiaorui) zich ervan had voorgesteld en ook niet wat Lou Ye oorspronkelijk bedoeld had. Het is voor hem ook niet de bedoeling om een archief of documentaire achter te laten. Het enige dat hij wil laten zien is dat film voor altijd, ook in uitzonderlijke omstandigheden, zal overleven en belangrijk zal zijn.

De 107 minuten speeltijd is te lang. De film was krachtiger geweest als het eerste gedeelte (de vondst van oude beelden en het opstarten van de film afmaken) ingekort was. Nu word je meegenomen in een verwarrend verhaal dat uitmondt in een nog verwarrendere coronapandemie. Daarnaast was de film beter geweest als hij gestopt was na de viering van Chinees Nieuwjaar in lockdown in het hotel. Daarna volgt nog een half uur film: hoe ze uiteindelijk uit lockdown komen en naar huis kunnen, hoe de film afgerond wordt met beelden die ze hebben vergaard en de screening met cast en crew. Eigenlijk allemaal overbodig, want dit begrijp je ook zonder dat het getoond wordt.

Al met al is de film akelig herkenbaar en zeer goed (na)gemaakt. Geen luchtige kost, maar juist daardoor wel een aanrader.

Vanaf 27 maart 2025 in de bioscoop.

Film / Films

Sterrencast maakt dun verhaal meer dan goed

recensie: The Return - Uberto Pasolini
Filmstill OdysseusFilmdepot

De held Odysseus keert na twintig jaar terug op zijn eiland Ithaka, waar zijn vrouw Penelope onder druk staat te hertrouwen en zijn zoon Telemachus inmiddels zonder hem is opgegroeid en een man is geworden. Hijzelf is na de Trojaanse Oorlog en zijn omzwervingen daaropvolgend mentaal en fysiek gebroken. Kan hij zich op tijd oplappen zodat hij zijn plek als koning, man en vader weer in kan nemen?

filmstill PenelopeIthaka is in staat van verval. Het wordt bevolkt door mannen die elkaar verdringen om de hand van Penelope (een glansrol van Juliette Binoche), maar verder niets bijdragen aan het eiland. De zoon van Odysseus (Charlie Plummer) is niet bij machte om hier tegenop te treden. Penelope hoopt en wacht op de terugkeer van Odysseus (geweldig gespeeld door Ralph Fiennes).

Mythologisch verhaal van een held

Regisseur Uberto Pasolini heeft altijd een passie gehad voor het epische verhaal van Homerus over de held Odysseus. Hij ergerde zich er echter aan dat het verhaal van Odysseus’ terugkeer altijd onderbelicht bleef ten opzichte van Odysseus’ andere avonturen. Zijn heldendaden, zijn rol in de Trojaanse Oorlog, de toorn van de goden waardoor hij lang niet kon terugkeren naar huis; al deze verhalen zijn al talloze keren verteld, zowel in woord als in beeld.

Maar juist in deze tijd, waarin er daadwerkelijk mensen terugkeren uit oorlogsgebieden, vindt Pasolini het belangrijk het verhaal van Odysseus’ terugkeer te vertellen. Zoals Pasolini zelf zegt: ‘Het werk van Homerus dwingt ons om de tragedie van de oorlog, van hen die oorlog voeren en van hen die achterblijven onder ogen te zien op een manier die ongelooflijk en triest relevant aanvoelt.’ (bron: director’s statement persmap) Pasolini heeft er dan ook voor gekozen het verhaal van Odysseus te beperken tot zijn terugkeer en daarbij de magische elementen en mythische wezens achterwege te laten.

Sterrencast met Nederlands tintje

Pasolini heeft gelijk dat dit een belangrijk verhaal is om te vertellen. En hij heeft daarvoor een herkenbare held gevonden in Odysseus. Maar het blijkt lastig om de psychische gevolgen van een oorlog zo in beeld te brengen dat het 116 minuten blijft boeien. Het verhaal zelf kon in kortere tijdspanne verteld worden, maar Pasolini neemt de tijd om de zielenroerselen waar Odysseus mee worstelt uitgebreid te laten zien. Dit maakt de film bij tijd en wijle saai.

Dat de film toch de moeite waard is, is de verdienste van de cast die Pasolini heeft verzameld en de mooie cinematografie. Binoche en Fiennes spelen, in hun reünie sinds The English Patient (1996), erg sterk. Binoche moet het vooral met blikken doen, en daar weet ze ook het beste van te maken. Fiennes toont een getergd man die zijn vrouw niet onder ogen kan komen, omdat hij dan ook zichzelf onder ogen moet komen.

Filmstill AntinousEen speciale vermelding is er voor ‘onze’ Nederlandse Marwan Kenzari, die een van de aanbidders van Penelope (Antinous) speelt. Hij speelt deze rol bijzonder goed en geloofwaardig. Makkelijk zou zijn om de rol te spelen als onaardige man belust op macht en status, maar hij speelt Antinous als een man die verliefd is en echt het beste wil doen voor moeder en zoon.

Held Odysseus als voorbeeld voor ‘gewone’ mensen

Deze film is een must-see voor iedereen. Niet alleen is het een mooie film met prachtige landschappen (het is gefilmd op het Griekse eiland Corfu) en geweldige acteurs, maar de film toont ook de verwoestende effecten van oorlog op de lange termijn. Het is knap van Pasolini dat hij weg is gebleven van de magische elementen en mythische wezens van dit mythische verhaal, en van Odysseus een ‘gewone’ man heeft gemaakt. Een man die worstelt met wat hem is overkomen, zich schaamt en zich vertwijfeld afvraagt of zijn familie nog wel op hem zit te wachten. De film nodigt hiermee uit om over de verwoestende effecten van oorlog na te denken en daar wellicht vaker bij stil te staan.

Vanaf 27 maart 2025 in de bioscopen in Nederland.

Film / Films

Ik kan het

recensie: Ik zal zien
Ik-Zal-Zien_st_2_jpg_sd-high_Photo-by-Jurre-RompaJurre Rompa voor Filmdepot

Met een beetje fantasie zou je kunnen zeggen, dat de film Ik zal zien van regisseur Mercedes Stalenhoef speelt met zowel de vijf zintuigen (zien, proeven, ruiken, horen en voelen) als met de vier elementen (aarde, water, lucht en vuur). Het vormt in ieder geval een mooie kapstok om als kijker het verhaal van de 17-jarige Lot, die blind is geworden, na te kunnen voelen.

Natuurlijk is het teamwerk wat Stalenhoef in haar eerste fictiefilm voor elkaar krijgt; tot nu toe is zij bekend door mooie documentaires als Mijn grote broer (2023, Gouden Kalf), Ik hoor hier niet thuis (2014) en Het is mijn leven (2007). Voor Ik zal zien werkt ze samen met onder anderen medescenarioschrijver Britt Snel, cameraman Mark van Alleen, geluidsman Taco Drijfhout en componist Kaveh Vares. En natuurlijk met de hoofdrolspelers Aiko Beemsterboer (Lot), Roman Derwig (haar vriend Casper) en twee personages in het revalidatiecentrum: Minne Koole (Micha) en Edward Stelder (Ed). Stuk voor stuk geweldige acteurs, net als degenen die de kleinere rollen (bijvoorbeeld van de familie) voor hun rekening nemen.

De vier elementen

De film begint met een onderwaterscène. Lot, die een zeester om haar nek draagt, is gek op duiken en wil – blijkt uit het verloop van de film – onderwaterarcheoloog worden. Water speelt op allerlei momenten in het verhaal een grote rol. Ze zit met Cas in bad, en later alleen in bad waardoor haar wereld verengd, zoals de zee later een vijvertje wordt bij het revalidatiecentrum. Ze hoort het regenen wanneer ze een raam opent.
In de volgende scène zien we een ongeluk met vuurwerk waardoor Lot blind wordt. Een (tijdelijk) gehavend gezicht wordt evenmin geschuwd om in beeld te brengen als het pukkelkoppie van Casper. Zowel water als vuur komen in de dromen van Lot – waarin ze dus kan zien – telkens terug. De lucht staat symbool voor haar dromen. Net als de vogels die ze hoort.
De aarde is de rauwe werkelijkheid waarin Lot verkeert. Aan het begin van de film lijkt het even of ze zich wel erg snel gewonnen geeft, maar later is het meer een heen-en-weer geslingerd worden tussen hoop en wanhoop. Ze is leergierig en leert snel braille, sneller dan je zou verwachten. Af en toe verschijnt er een glimlach rond haar mond: ik kan het.

De vijf zintuigen

Het belangrijkste zintuig in de film zijn natuurlijk de ogen. Soms zien we de wereld op de manier die Lot nog een klein beetje kan ervaren: wazig en niet of nauwelijks in beeld, zoals aan het begin de mensen in het revalidatiecentrum. Later krijgen we ze wel te zien en dan vooral close up. Je ziet Lotte tasten met haar vork waar niet of nauwelijks iets aan zit. Er zitten trouwens aardig wat eetscènes in de film.
En uiteraard zijn de oren, het gehoor voor iemand die blind is erg belangrijk. De muziek speelt daarbij in de film een grote rol. Zoals een piano. We zien en horen hoe Lot het instrument verkent. Een andere cliënt van het revalidatiecentrum, Ed, speelt een passacaglia-thema (dans) of een riff in het lage register van de piano. En ook de muziek wordt, net als wat we min of meer zien door Lots ogen en haar omgang met het blind-zijn, opgebouwd. Wanneer we in een disco zijn horen we dreunende bassen. Als Ed – die aan een hersentumor lijdt – sterft, klinkt wéér dat thema in de piano.

Het is allemaal niet alleen razendknap maar ook vooral inlevend bedacht en vormgegeven. Zó, dat het verhaal meer is dan dat van een 17-jarig meisje dat blind wordt en opgroeit, groeit als mens. Het is een klassiek coming-of-age verhaal dat daar boven uit stijgt.

Film / Films

Journalistiek versus sensatie

recensie: September 5 - Tim Fehlbaum
Journalisten rond tafel© 2024 Paramount Pictures. All Rights Reserved.

5 september 1972: de Olympische Spelen in München zijn in volle gang. Over de hele wereld kijken mensen live mee, totdat de sportuitzending abrupt wordt onderbroken door een gijzeling in het olympisch dorp. Een gebeurtenis die niet alleen de Spelen ontwricht, maar ook de manier van live verslaggeving voorgoed verandert. September 5 vertelt het verhaal door de ogen van een crew sportjournalisten van de Amerikaanse zender ABC.

Regisseur Tim Fehlbaum slaagt er deels in om van September 5 meer te maken dan een simpele reconstructie van de gebeurtenissen in München. De sportjournalisten, gespeeld door onder andere Peter Sarsgaard (Shattered Glass) en John Magaro (Past Lives), worden gepresenteerd als echte underdogs; buitenstaanders die zich plots in deze bizarre situatie bevinden. Op papier klinkt het interessant: in plaats van een bredere invalshoek, zoals Spielbergs Munich (2005), biedt de film het perspectief van een kleine groep journalisten op grotendeels één locatie.

Ethische dillema’s

Hoewel de beperkte focus weinig nieuwe beelden toevoegt aan een gebeurtenis die al talloze keren is vastgelegd en geanalyseerd, werpt de film daarentegen wél een interessant licht op ethische dilemma’s binnen de journalistiek: hoe leg je een tragisch evenement als een gijzeling vast? Hoe presenteer je dat op live televisie?

September 5 doet bij momenten denken aan journalistieke drama’s als Spotlight (2015), The Post (2017) en She Said (2022): strak geregisseerd, puur plotgedreven en spanning op de juiste momenten. September 5 doet er echter nog een schep bovenop. De film probeert de intensiteit van de situatie te vangen met dreigende muziek, scherpe montage en oneliners die uit een Michael Bay-film lijken te komen. Technisch zit het allemaal goed in elkaar, maar de vraag blijft: waarom moet dit verhaal nu – in deze vorm – verteld worden?

Gebrek aan context

De film slaagt er zeker in om de intensiteit in beeld te brengen, maar toch mist er context en een rechtvaardiging voor de gekozen vertelvorm. September 5 lijkt niet geïnteresseerd in de motieven van de gijzelnemers, de impact op de Spelen of überhaupt iets wat zich buiten het nieuwsgebouw van ABC in München afspeelt. De gebeurtenissen worden getoond zoals ze destijds op televisie zijn uitgezonden, waardoor je – net als de journalisten – meer focust op de vraag of de gijzeling wel moet worden uitgezonden en of de juiste beelden worden vastgelegd. Hoewel de film tegen het einde een poging waagt tot reflectie, blijft het gevoel hangen dat er essentiële context ontbreekt; wie waren deze mensen? Waarom deden ze dit?

De film hecht veel waarde aan authenticiteit; de details van de gebeurtenissen binnen het nieuwsnetwerk worden secuur in kaart gebracht. Als thriller werkt September 5 dan ook prima: de film heeft een hoog tempo en is meeslepend en intens, waardoor je tot het einde op het puntje van je stoel blijft zitten. Maar uiteindelijk blijft er iets knagen. De film laat je bewust achter met vragen over de motieven, de mensen achter de gijzeling en de geschiedenis; simpelweg omdat het daar niet in geïnteresseerd is.

Het is interessant dat Fehlbaum kiest voor een no-nonsense thriller, waarbij het uiteindelijk eerder een verhaal wordt over ethiek binnen de journalistiek dan over de historische gebeurtenis zelf. Toch voelt het alsof er méér in dit verhaal had kunnen zitten dan alleen deze invalshoek. September 5 is een keurige thriller die precies doet wat hij belooft – maar ook niet meer dan dat.

 

 

Film / Serie

Tussen macho en moderne man

recensie: Haantjes - Netflix
vier vrienden© Netflix

De Nederlandse Netflix-serie Haantjes is een schot in de roos. Geestig, scherp en soms pijnlijk herkenbaar brengt de serie de worstelingen van vier vrienden in beeld die zich staande proberen te houden in een wereld waarin traditionele mannelijkheid steeds minder vanzelfsprekend is.

Het centrale thema van Haantjes draait om de vraag: wat betekent het vandaag de dag nog om ‘man’ te zijn? De serie laat op hilarische en confronterende wijze zien hoe de vier hoofdpersonages worstelen met de veranderende sociale normen rondom mannelijkheid, seks en relaties. De quote ‘Heb je een lul, dan ben je een lul’ vat de toon van de serie perfect samen: scherpe humor met een kritische ondertoon.

Buitenlands tintje

Haantjes is de Nederlandse versie van de Spaanse Netflix-hit Machos Alfa en weet de thema’s op een herkenbare manier te vertalen naar de Nederlandse cultuur. Ook doet de serie qua sfeer en dynamiek tussen de mannelijke hoofdrolspelers denken aan de Nederlandse serie Divorce uit 2012, al is Haantjes net iets actueler in zijn maatschappijkritiek.

IJzersterke cast

Een van de grote krachten van Haantjes is de topcast. Waldemar Torenstra, Jeroen Spitzenberger, Benja Bruijning en André Dongelmans zetten geweldige rollen neer en brengen hun personages met veel nuance en komisch talent tot leven. Maar niet alleen de mannen schitteren in deze serie; de partners van de vrienden, gespeeld door Jennifer Hoffman, Eva Laurenssen en Jelka van Houten, stelen regelmatig de show. Ook is er een glansrol voor Frouke Verheijde, die als dochter van Ivo (Bruijning) dates voor haar vader probeert te regelen. De dynamiek tussen de personages is fantastisch en zorgt voor talloze pijnlijke en soms herkenbare momenten.

Humor en actualiteit

Wat Haantjes nog zo sterk maakt is de balans tussen humor en een scherpe blik op de veranderende rolpatronen in onze maatschappij. De serie neemt mannelijkheid onder de loep, maar doet dat zonder belerend te worden. De dialogen zijn scherpzinnig en de situaties waarin de hoofdpersonages belanden zijn zowel absurd als pijnlijk realistisch. De serie weet op luchtige wijze bloot te leggen hoe moeilijk het kan zijn voor mannen om zich aan te passen aan een wereld waarin oude zekerheden niet langer gelden.

Vrouwelijke regisseurs

Een opvallend aspect van Haantjes is dat de regie in handen is van vrouwelijke makers. Dit zorgt voor een frisse en scherpe kijk op de thematiek. In plaats van een serie die centraal stelt hoe ‘zwaar’ mannen het tegenwoordig hebben, krijgen we een evenwichtige en grappige blik op hoe zowel mannen als vrouwen omgaan met veranderende machtsverhoudingen binnen zowel relaties als de samenleving.

Met zijn humor, scherpe observaties en ijzersterke cast is Haantjes een groot succes. De serie slaagt erin om een actueel thema op luchtige, maar treffende wijze te verpakken en weet daarmee een breed publiek aan te spreken. Of je nu zelf worstelt met de verwachtingen rondom mannelijkheid of gewoon zin hebt in een heerlijke komische dramaserie: Haantjes is een absolute aanrader.

Hopelijk komt er snel een tweede seizoen, want dit smaakt naar meer!

Film / Interview
special: Interview met documentairemaker Marcel Theroux

The Eunuch Maker; Theroux explains

Komende zondag start op tv de opzienbarende documentaireserie The Eunuch Maker.  Voor 8WEEKLY had ik een interview met de regisseur, Marcel Theroux. Omdat het gesprek in het Engels plaatsvond, is de tekst eerst in die taal te lezen. Daarna volgt een informele Nederlandse vertaling.

 

‘The making of’ questions 

What inspired you to create this documentary about eunuchs? How did you come upon this subject, which is practically unknown and unmentioned nowadays?

Marcel Theroux: ‘I am very interested in true crime, the last documentaries I have made were true crime documentaries as well. During these crime documentaries I was introduced to the fact that there are often larger communities involved, and a number of other issues are in play. The company that I worked with told me that they had been looking into a story about a group of men that castrated themselves. I found this story amazing. It was not even very clear if a crime was committed and the role of Gustavson was not even clear at that point. I said to myself: if this is not interesting, I do not know what is! It is a real wow-story. How come that men cut off each other’s penis in just an ordinary part of London?’

‘One of the researchers had made contact with Gustavson himself, so I started to email him. I had so many questions: is it a gender identity, is it a kink etc? And Gustavson was very forthcoming, he wrote me back from prison and I went to meet him. What also fascinated me is that he told me that I have to look up the ‘skoptsy syndrome’. I knew that ‘skoptsy’ were a Russian sect in the 19th century who castrated each other. There were thousands of them, a whole community. And Gustavson told me that to understand this you must dig deeper in history. So that’s what I did.’

‘When the story developed, we started talking to people that were involved with Gustavson and had undergone castration. People who would choose to undergo this radical procedure, under these dangerous circumstances and to transform themselves utterly. The fact that there was a whole community that was interested in undergoing this procedure or watching it and paying for it, its extraordinary. I just could not think of something more interesting! The only thing that I could think of was ‘why?’, so that was very fascinating for me.’

In your research, did you uncover any misconceptions or myths surrounding eunuchs that you felt were important to address?

‘Well, I did not know anything about eunuchs before. But here is the most interesting thing that I learned about eunuchs (I learned this from an academic): quite a lot of men of a certain age are effectively eunuchs because of prostate cancer – as they must have their penis castrated because of that. There are quite a lot of men who are living with castration, of course in a very different way than that Gustavson was dealing with. So, I did not even have a (mis)conception at the beginning of the filming process.’

‘During the filming of the documentary, I spoke to some people who stated that the eunuch concept is a gender identity. At the end of the journey (after making the documentary) I can say that I am not persuaded as there was a serious BDSM component involved as well. So there are many different views and there is so much that we do not understand from human nature and I would like to have the people watch the documentary and listen what they have to say.’

 

Additional questions

In the documentary, Gustavson is portrayed both as a ‘jolly’ man who offers desperate people an escape and as a manipulative ‘butcher’ engaging in illegal and dangerous practices. How much do you think his actions were driven by a need to be seen as a hero, versus his deeper desire for control or power over others?

‘That is an interesting question. ‘Jolly’ was exactly how Gustavson came across. He would say that all he did is to help people and that this was not sexual. The judge did not believe that, I do not believe that, but he will maintain to say that it was. I do think that he wants to regard himself as a hero, handling out of noble objectives but in fact he was also ‘a monster’ as the results of his actions were horrible. It is a real puzzle: I enjoyed interacting with him but at the same time it was also frustrating because sometimes I would suggest that it is obvious that his actions were sexually driven. But he could not see that, he would never concede with that. To this day, he does not. You know, if he had not been jolly, people would have not consented and gone home with him. So he had to be this ‘jolly bear’.’

Under UK law, a person’s consent does not hold legal weight if harm is involved, meaning voluntary removal of body parts can still be prosecuted. Do you think laws like this should be reconsidered in cases where individuals make an informed decision regarding their own body?

‘I am not a lawyer, but I always had the liberal assumption that one’s body belongs to yourself. If you want to get your nose pierced or a BBL (Brazilian Butt Lift), you should be free to do that. But there is a danger in it: if people can consent to harm one can end up in a situation arguing about consent. Where one is protected, no one can ever do harm to you because you cannot consent. I think it is an important discussion within our society. One of the things that the eunuchs felt is that in case of transitioning to female, they can have their penis removed as part of the gender confirmation surgery. But they did not want to go from man to female, but from man to eunuch. Such surgery procedure is not being offered by our government. So that is quite a puzzle and an interesting discussion.’

In your final conversation with Gustavson in prison, he still saw himself as a liberator rather than a criminal. What was it like hearing that firsthand, and did it make you question whether he truly believed in his ‘mission’ or was justifying his actions?

‘Gustavson thinks he is a victim of a kind of ‘blind spot’ in the law. He believes that he was softhearted and just wanted to help people. I believe that he believes that, but it is difficult because I cannot see his motivation. The psychiatrist I spoke to at the end, stated that he could never acknowledge that he had performed criminal activities as he just believes that he was helping others.’

 

The Eunuch Maker’ by Marcel Theroux will be on the Crime+Investigation TV channel from March 9, 2025, at 10:00 PM.

 

Nederlandse vertaling

 

‘The making of’ vragen

Wat inspireerde je om deze documentaire over eunuchen te maken? Hoe ben je op dit onderwerp gekomen, dat tegenwoordig vrijwel onbekend en onbesproken is?

Marcel Theroux: ‘Ik ben erg geïnteresseerd in true crime, en mijn laatste documentaires waren ook true crime-documentaires. Tijdens het maken van deze misdaaddocumentaires ontdekte ik dat er vaak grotere gemeenschappen bij betrokken zijn en dat er meerdere factoren een rol spelen. Het bedrijf waarmee ik samenwerkte vertelde me dat ze een verhaal onderzochten over een groep mannen die zichzelf castreerden. Ik vond dit verhaal ongelooflijk. Het was niet eens duidelijk of er daadwerkelijk een misdrijf was gepleegd en welke rol Gustavson hierin speelde. Ik dacht bij mezelf: als dit niet interessant is, dan weet ik het ook niet meer! Het is echt een verhaal waarbij je denkt: wow. Hoe komt het dat mannen elkaars penis afhakken in een gewone buurt in Londen?’

‘Een van de onderzoekers had contact gelegd met Gustavson zelf, dus begon ik hem te e-mailen. Ik had zoveel vragen: is het een kwestie van genderidentiteit, is het een fetisj, enzovoort? Gustavson was erg open en schreef me terug vanuit de gevangenis, waarna ik hem ging ontmoeten. Wat me ook fascineerde was dat hij me vertelde dat ik het ‘skoptsy-syndroom’ moest opzoeken. Ik wist dat de ‘skoptsy’ een Russische sekte uit de 19e eeuw waren die elkaar castreerden. Er waren er vroeger duizenden van hen, een hele gemeenschap. Gustavson vertelde me dat ik om dit te begrijpen dieper in de geschiedenis moest duiken. Dus dat deed ik.’

‘Naarmate het verhaal zich ontwikkelde, begonnen we te praten met mensen die betrokken waren bij Gustavson en die een castratie hadden ondergaan. Mensen die ervoor kozen om deze radicale ingreep te ondergaan, onder zulke gevaarlijke omstandigheden, om zichzelf volledig te transformeren. Het feit dat er een hele gemeenschap was die geïnteresseerd was in het ondergaan van deze ingreep, of ernaar keek en ervoor betaalde, is buitengewoon. Ik kon gewoon niets bedenken wat interessanter was! Het enige wat door mijn hoofd bleef gaan, was ‘waarom?’. Dat vond ik enorm fascinerend.’

Ontdekte je tijdens je onderzoek misvattingen of mythes over eunuchen die je belangrijk vond om aan te kaarten?

‘Nou, ik wist eigenlijk niets over eunuchen voordat ik aan deze documentaire begon. Maar hier is het meest interessante dat ik heb geleerd (van een academicus): behoorlijk veel mannen van een bepaalde leeftijd zijn in feite eunuchen vanwege prostaatkanker – omdat ze als gevolg daarvan hun penis moeten laten verwijderen. Er zijn dus veel mannen die leven met castratie, natuurlijk op een heel andere manier dan hoe Gustavson ermee omging. Ik had dus niet echt een (mis)opvatting aan het begin van het filmproces.’

‘Tijdens het filmen sprak ik met mensen die beweerden dat het concept eunuch-zijn een genderidentiteit is. Aan het einde van deze reis, na het maken van de documentaire, kan ik zeggen dat ik daar niet helemaal van overtuigd ben, omdat er ook een serieuze BDSM-component bij betrokken was. Er zijn dus veel verschillende perspectieven, en er is zoveel dat we nog niet begrijpen over de menselijke natuur. Ik wil graag dat mensen de documentaire kijken en zelf hun mening vormen.’

 

Aanvullende vragen

In de documentaire wordt Gustavson zowel neergezet als een ‘vrolijke’ man die wanhopige mensen een uitweg biedt, als beschreven als een manipulatieve ‘slager’ die zich bezighoudt met illegale en gevaarlijke praktijken. In hoeverre denk je dat zijn acties voortkwamen uit de behoefte om als een held gezien te worden, versus een diepere wens om controle of macht over anderen uit te oefenen?

‘Dat is een interessante vraag. ‘Vrolijk’ is precies hoe Gustavson overkwam. Hij beweerde dat hij mensen alleen maar hielp en dat er niets seksueels bij kwam kijken. De rechter geloofde dat niet, en ik geloofde dat niet, maar hij bleef volhouden dat het zo was. Ik denk dat hij zichzelf graag als een held wilde zien, iemand die uit nobele motieven handelde. Maar tegelijkertijd was hij ook ‘een monster’, want de gevolgen van zijn daden waren verschrikkelijk.’

‘Het is een echte puzzel: ik vond het prettig om met hem te praten, maar tegelijkertijd was het ook frustrerend. Soms stelde ik hem vragen waarbij het overduidelijk was dat zijn acties seksueel gemotiveerd waren. Maar hij kon dat niet inzien, en hij zou dat nooit toegeven. Tot op de dag van vandaag niet. Als hij niet zo vrolijk en joviaal was geweest, zouden mensen niet met hem zijn meegegaan. Dus hij moest wel deze ‘vrolijke beer’ zijn.

Volgens de Britse wet weegt iemands toestemming niet mee als er sprake is van een schadelijke lichamelijke mutatie, wat betekent dat vrijwillige verwijdering van lichaamsdelen nog steeds strafbaar kan zijn. Denk je dat zulke wetten heroverwogen zouden moeten worden in gevallen waarin individuen een weloverwogen beslissing nemen over hun eigen lichaam?

‘Ik ben geen jurist, maar ik heb altijd het liberale idee gehad dat je lichaam van jezelf is. Als je je neus wil laten piercen of een BBL (Brazilian Butt Lift) wil laten doen, zou je daar vrij in moeten zijn. Maar er zit ook een gevaar aan: als mensen toestemming kunnen geven voor schadelijke lichamelijke mutatie, kan men uiteindelijk in een situatie belanden waarin er eindeloos gediscussieerd wordt over wat ’toestemming’ precies inhoudt. Als er een beschermingsmaatregel bestaat waarbij niemand ooit toestemming kan geven voor schadelijke lichamelijke mutatie, dan kan je ook nooit kwaad worden gedaan.’

‘Ik denk dat dit een belangrijk maatschappelijk debat is. Sommige eunuchen voelen dat, aangezien trans-vrouwen hun penis chirurgisch kunnen laten verwijderen als onderdeel van transgenderchirurgie, zij hetzelfde recht zouden moeten hebben om eunuch te worden. Maar zij willen niet van man naar vrouw gaan, ze willen van man naar eunuch gaan. Zo’n operatie wordt echter niet aangeboden door de overheid. Dat is een lastige kwestie en een interessant gespreksonderwerp.’

In je laatste gesprek met Gustavson in de gevangenis zag hij zichzelf nog steeds als een bevrijder in plaats van een crimineel. Hoe was het om dat uit zijn eigen mond te horen? Heeft het je doen twijfelen of hij echt in zijn ‘missie’ geloofde of gewoon zijn daden rechtvaardigde?

‘Gustavson ziet zichzelf als het slachtoffer van een soort ‘blinde vlek’ in de wet. Hij gelooft dat hij alleen maar een zachtmoedig persoon was die mensen wilde helpen. Ik denk dat hij dat echt gelooft, maar het is moeilijk, want ik kan zijn diepste motivatie niet zien. De psychiater met wie ik aan het einde sprak, zei dat hij waarschijnlijk nooit zou kunnen erkennen dat hij criminele handelingen heeft verricht, omdat hij er oprecht van overtuigd is dat hij anderen hielp.’

 

‘The Eunuch Maker’ van Marcel Theroux is vanaf 9 maart 2025 om 22.00 uur te zien op tv-zender Crime+Investigation.

 

 

Film / Documentaire

Theroux duikt in de wereld van de omstreden nullo-movement

recensie: Documentaireserie 'The Eunuch Maker', geregisseerd door Marcel Theroux

Marcel Theroux, de Britse documentairemaker en broer van journalist Louis Theroux, staat bekend om zijn diepgravende en vaak confronterende documentaires. In The Eunuch Maker duikt hij in een wereld die voor velen onbekend en onbegrijpelijk is: een gemeenschap van mannen die vrijwillig kiezen voor castratie, geleid door Gustavson, een ‘jolly bear’ die onopgemerkt aan het roer staat van een ware eunuchgemeenschap.

In zijn documentaire onderzoekt Theroux Marius Gustavson, een Noorse man die geruime tijd in het Verenigd Koninkrijk verbleef en vanuit daar de zogeheten ‘nullo-movement’ leidde. Gustavson verdiende bijna £300.000 met zijn website, waarop hij tegen betaling en onder erbarmelijke omstandigheden castraties uitvoerde. Vervolgens deelde hij de beelden online en verkocht hij vaak ook de verwijderde lichaamsdelen aan derden. Zijn netwerk trok meer dan 22.841 gebruikers, allen kregen ze toegang tot het schokkende beeldmateriaal van de castreerprocedures. Gustavson onderwierp ook zichzelf aan verschillende mutilaties, waaronder de amputatie van zijn penis en been. Zijn handelingen, die hij presenteerde als hulpmiddel, werden door de rechter beoordeeld als ‘ernstig en levensbedreigend’ met ‘permanente en onomkeerbare’ gevolgen.

De redenen achter de ingrepen

Door diepgaande gesprekken met de verschillende personen uit de eunuchgemeenschap krijgt de kijker een inkijkje in de motieven achter hun ingrijpende beslissingen. Sommige mannen worstelden met hun genitaliën na een traumatische seksuele ervaring, terwijl anderen hun lichaam zagen als iets dat niet bij hun seksuele identiteit paste. Een opvallend interview met een deelnemer genaamd Max, die in de Verenigde Staten een geslachtsoperatie ondergaat, belicht de achtergrond van zijn kwestie: hoewel geslachtsveranderende operaties voor transgenderpersonen vergoed kunnen worden, is er geen medische en financiële ondersteuning beschikbaar voor mensen die zich identificeren als eunuch en zich willen laten castreren. Dit resulteert in schrijnende situaties waarin sommige mannen zich wenden tot illegale en gevaarlijke praktijken, waarbij ze worden ‘behandeld’ door niet-medisch onderlegde mensen in niet-medische omgevingen.

Historische context en juridische vraagstukken

Wat The Eunuch Maker extra gelaagd maakt, is de manier waarop Theroux de geschiedenis van eunuchen in zijn verhaal verweeft. Van voormalige christelijke tradities waarin castratie als een pad naar verlossing werd gezien tot aan de Skoptsy-sekte in het 19e-eeuwse Rusland: het concept is eeuwenoud, maar de manier waarop het vandaag de dag wordt bekeken, is drastisch veranderd. Waar eunuchs vroeger een prominente rol speelden, heerst er nu onbegrip en taboe rondom dit onderwerp.

Daarnaast wordt de juridische kant van het verhaal belicht: hoewel de wet in het Verenigd Koninkrijk stelt dat mensen over hun eigen lichaam mogen beslissen, is vrijwillige castratie een grijs gebied. Zoals een geïnterviewde arts in de documentaire uitlegt: zodra er sprake is van lichamelijke schade, vervalt het concept van ‘toestemming’ en kan de wet ingrijpen. Dit plaatst de handelingen van Gustavson en zijn medeplichtigen in een juridisch schemergebied, waarbij fundamentele vragen over lichaamsautonomie en bescherming tegen zelfbeschadiging worden opgeworpen.

Een indringende documentaire die vragen oproept

In de documentaire wordt Gustavson zowel omschreven als een charismatisch en behulpzaam figuur, die mannen in worsteling met hun seksuele identiteit een uitweg lijkt te bieden, als neergezet als een ‘butcher’ die zonder medische bevoegdheid gevaarlijke en onomkeerbare ingrepen uitvoert. Theroux’ documentaire slaagt erin om zowel afschuw als medeleven op te wekken, zonder ooit te vervallen in sensatiezucht. Zijn interviewstijl, waarbij hij zowel kritische vragen stelt als ruimte laat voor reflectie door de kijker, zorgt ervoor dat The Eunuch Maker een indringende filmervaring wordt. De documentaire biedt niet alleen een blik in de eunuchgemeenschap, maar zet de kijker ook aan het denken over onderwerpen als identiteit, lichaamsautonomie en zelfbeschikking.

Interview met Theroux

In een interview met 8WEEKLY – dat tegelijk als special in het magazine verschijnt – sprak Marcel Theroux over zijn fascinatie voor true crime en hoe hij via onderzoekswerk in aanraking kwam met de bizarre en onderbelichte wereld van vrijwillige castratie. De documentairemaker was daarnaast gefascineerd door de historische context en en de beweegredenen van de eunuchbeweging. Tijdens het interview sprak Theroux over het paradoxale beeld van Gustavson, die hij omschrijft als zowel ‘jolly’ als manipulatief. Ondanks Gustavsons beweringen dat zijn intenties puur waren, kon Theroux zich moeilijk losmaken van de grimmige realiteit van zijn daden.

Een aangrijpende en confronterende documentaire die niet snel vergeten zal worden.

 

‘The Eunuch Maker’ van Marcel Theroux: vanaf 9 maart 2025 om 22.00 uur te zien op tv-zender Crime+Investigation

 

Film / Reportage
special: Stomme film is niet stom!
Campagnebeeld NSFFNederlands Silent Film Festival

Nederlands Silent Film Festival 2025

Vier dagen lang stond het gezellige Pand P in Eindhoven in het teken van de stille film tijdens het Nederlands Silent Film Festival. Op de inmiddels alweer achtste editie van het festival werd een afwisselend programma vertoond van oude klassiekers, onbekende werken en recente restauraties.

Nadat geluid was doorgedrongen in Hollywood in de twintiger jaren van de vorige eeuw, wilde het publiek al snel niets anders meer. Door de jaren heen werd stille film steeds meer gezien als primitief, saai en misschien zelfs een beetje oubollig. Totaal onterecht! Wereldwijd zijn er daarom steeds meer mogelijkheden om stille films te bewonderen op het witte doek. In Nederland laat het Nederlands Silent Film Festival (NSFF) zien dat deze vooroordelen onjuist zijn en dat stille films juist een kunstvorm op zichzelf zijn.

Het NSFF was dit jaar groter dan ooit. Met vijftien unieke programma’s zat er voor iedereen wel iets bij: slapstick, drama, familiefilms en thrillers. De films werden uiteraard niet in stilte vertoond. Zoals gebruikelijk was in de periode van de stille film werden de films voorzien van live muziekbegeleiding. Het was de taak van de musicus om de emoties en beelden muzikaal te begeleiden en te versterken. Dit deden musici vaak al improviserende. De begeleiding kon variëren in instrumenten. Zo kon er enkel pianobegeleiding zijn, maar ook begeleiding van een volledig orkest, zoals bij het hoogtepunt van het festival het geval was: de vertoning van Harold Lloyds Grandma’s Boy (1922, Fred C. Newmeyer) tijdens Slapstick Saturday.

Dat er interesse is in deze oude filmvorm was duidelijk te zien aan de volle zalen. Vanuit de hele wereld trok het festival geïnteresseerden. Wie voor- of achteraf meer wilde lezen over de films kon op de website van het NSFF grasduinen door de digitale catalogus. Hierin is over bijna iedere film en ieder programma een verdiepende tekst opgenomen. Hiermee wilde het NSFF de kennis over de stille film verspreiden. Het mag duidelijk zijn dat dit een enorm onderzoekswerk vergt, en de catalogus toont aan hoeveel liefde de organisatie heeft voor de films die ze programmeert.

8WEEKLY geeft een korte reportage van wat er te zien was tijdens de achtste editie van het NSFF.

Kid Boots (1926, Frank Tuttle)

Sterren: 4/5

Met deze energieke en indrukwekkende openingsfilm, vertoond in een recente, prachtige 4K-restauratie, zette het festival direct de toon. De film, door het NSFF omschreven als ‘knotsgekke romantische komedie’, volgt de onhandige, maar charmante kledingverkoper Kid Boots (de ‘vergeten’ komediester Eddie Cantor). Hij helpt zijn vriend Tom Sterling (Lawrence Gray) om een lastige echtscheiding te voorkomen en wordt daarbij verliefd op de mooie Clara McCoy (Clara Bow). Zoals het een echte slapstick betaamt, raakt Kid in allerlei komische situaties verzeild die alsmaar gekker worden. De fysieke komedie van Cantor is daarbij geweldig. Compleet dubbelgevouwen, een fysiobehandeling in de elektrische stoel of een flink pak slaag door Clara’s jaloerse vriend Big Boyle (Malcolm Waite); het is precies wat je bij een slapstick verwacht. De climax van de film, de race tegen de klok te paard door de bergen, is door het stuntwerk en de buitensporigheid absoluut fenomenaal om naar te kijken. Met zijn energieke pianobegeleiding gaf pianist en festivaldirecteur Daan van den Hurk extra vaart aan het slapstickspektakel op het scherm.

The Symbol of the Unconquered: A Story of the Ku Klux Klan (1920, Oscar Micheaux)

Sterren: 3/5

Filmstil

Bij het vertonen van films die bijna een eeuw oud zijn, is het onvermijdelijk dat verouderde wereldbeelden doorklinken. In veel stille films spelen vrouwen bijvoorbeeld een ondergeschikte rol, en niet zelden zijn de films racistisch getint en bevatten ze stereotypen, zoals het gebruik van yellowface. Het NSFF kiest er bewust voor om deze films te tonen en de problematiek niet te negeren, maar juist bespreekbaar te maken. Dit doet het festival onder meer door The Symbol of the Unconquered te vertonen, een film van de Afro-Amerikaanse pionier Oscar Micheaux, die een alternatief geluid laat horen.

Het verhaal volgt Eve Mason (Iris Hall), een jonge zwarte vrouw met een lichte huid, die na de dood van haar grootvader naar het westen reist om diens land op te eisen. Ze krijgt te maken met racistische landeigenaren die haar buurman, de zwarte pionier Hugh Van Allen (Walker Thompson), van zijn grond willen beroven (met hulp van de Ku Klux Klan). Terwijl Hugh vecht tegen deze dreiging, moet Eve haar identiteit en positie in een vijandige samenleving onder ogen zien.

De film is cinematografisch weinig bijzonder; het camerawerk blijft binnen de standaard van een reguliere film en de scènes met de KKK zijn duidelijk gericht op sensatie. Wat Micheaux wel biedt, is een alternatief voor de racistische beeldvorming die destijds dominant was in Hollywood, vooral in films als The Birth of a Nation (1915, D.W. Griffith). Micheaux laat een verhaal zien waarin zwarte personages autonomie tonen en raciale ongelijkheid expliciet wordt aangekaart. Hierdoor heeft de film een belangrijke historische waarde.

Voorafgaand aan de voorstelling ging festivaldirecteur Van den Hurk in gesprek met Jerry Afriyie van Nederland Wordt Beter, een organisatie die zich inzet voor meer bewustwording rond racisme en ongelijkheid. Dit gesprek plaatste de film in een breder perspectief en opende een dialoog over de relevantie en problematiek ervan.

Nice Work (If You Can Get It)

Sterren: 3/5

Ook de rol van vrouwen wordt al meerdere jaren uitgelicht tijdens het festival. Filmwetenschappers Anke Brouwers en Kate Saccone zijn al vaker te gast geweest om hier dieper op in te gaan.

Het dit jaar samengestelde programma Nice Work (If You Can Get It) bestond uit een aantal korte films of fragmenten die focussen op vrouwen aan het werk, een recht dat helemaal niet vanzelfsprekend was in het stille film-tijdperk. Getrouwde vrouwen werden namelijk lange tijd als handelingsonbekwaam beschouwd (in Nederland zelfs tot 1956). Zij konden bijvoorbeeld zonder toestemming van hun man geen arbeidsovereenkomst aangaan of een bankrekening openen.

De introductie van dit programma was wat aan de korte kant en had zeker langer mogen zijn. Desalniettemin schetste dit programma door het samenbrengen van veelzijdige en weinig vertoonde fragmenten en films (waarvan slechts een aantal hier besproken wordt) een interessant beeld van de positie van vrouwen in het werkveld in deze periode. Het programma draaide daarbij niet alleen om vrouwen aan het werk voor de camera (bijvoorbeeld arbeidsters in een fabriek zoals in het korte fragment Girls Taking Time Checks uit 1904), maar ook om vrouwen aan het werk achter de camera (zoals de stop-motion film Monsters of the Past (1923) van de kleikunstenares Virginia May). Deze korte en ludieke animatiefilm vertelt het verhaal van een tyrannosaurus rex die in een bloederig gevecht belandt met een triceratops.

In de fragmenten wordt ook stilgestaan bij het textielambacht, zoals in de documentaire In Sheep’s Clothing (1932) van Jenny Brown, een Schotse regisseuse die haar films als soloprojecten produceerde. De documentaire toont prachtige beelden van eilandarbeiders, vrouwen, op de Shetlandeilanden aan het werk om een gevraagde trui te maken: het plukken van de schapen, het kaarden en spinnen van de wol, het twijnen van de woldraden en het uiteindelijk breien van een trui tussen de dagelijkse huishoudelijke taken door. Het is een hele opgave. De schapen worden prachtig in beeld gebracht en de schattige, speelse kitten op schoot bij een van de vrouwen is een komische onderbreking. Hoewel Brown geen formele filmopleiding genoot, had ze overduidelijk aanleg voor filmen.

The Wind (1928, Victor Sjöström)Filmstil

Sterren: 5/5

De afsluiter van het festival was een meeslepende thriller die bijzonder genoeg gerealiseerd werd als stille film in een periode waarin de geluidsfilm al zo goed als de nieuwe norm was. Ondanks pogingen de film te vertonen met gesynchroniseerde geluidseffecten werd de film geen succes en al snel vergeten. Zonde, want het is een fantastische film!

In het verhaal wordt de jonge Letty Mason (Lillian Gish) tot wanhoop gedreven als ze bij haar neef moet gaan wonen in Texas, waar het onophoudelijk hard waait met zandstormen als gevolg. Uiteindelijk door de jaloerse vrouw van haar neef het huis uitgezet, is ze gedwongen te trouwen met de arme rancher Lige Hightower (Lars Hanson). Wanneer een storm zijn piek bereikt en Lige weg is voor werk, dringt de opdringerige man Roddy (Montagu Love) Letty’s huis binnen en probeert haar te misbruiken. Uit zelfverdediging schiet ze hem dood en begraaft in paniek zijn lichaam buiten in het zand, maar de volgende ochtend blijkt dat de wind het lichaam weer heeft blootgelegd. Wanneer Lige echter terugkomt, lijkt het lichaam te zijn verdwenen. Wat er daadwerkelijk heeft plaatsgevonden die nacht blijft een raadsel.

De film staat bekend om zijn intense psychologische spanning en expressieve cinematografie, zoals Letty’s visioen van het witte paard. Gish speelt misschien wel de rol van haar leven als de onschuldige en ongelukkige Letty. In het bijzonder moet hier de pianist José Maria Serralde Ruiz, die de film begeleidde, benoemd worden. Zijn spel was passievol en wist perfect de spanningen in de film te versterken, van de zenuwslopende, bijna tikkende melodie van de wind tot de meeslepende melodieën in de climax. De kijker werd hierdoor volledig meegenomen in Letty’s waanzin en zat vijf kwartier op het puntje van de stoel om na de slotakkoorden de ingehouden adem eindelijk los te kunnen laten.